实录内容：

主持人：各位观众朋友，关于这个展览，我还是给大家做一个简短的介绍。这个展览展出时间9月27日到10月15日，这个展览在法国大使馆的推荐下，与法国圣埃蒂安大都会现当代艺术博物馆合作举办的，51幅展品，全部是博物馆收藏。今天我们也很有幸邀请到了法国圣埃蒂安大都会现当代艺术博物馆馆长玛蒂娜·穆赫女士，她今天晚上也就这51幅藏品分享博物馆关于藏品的故事，包括也会带来关于艺术史和藏品的解读。我是这个展览在成都方面的执行策展人，今天晚上我也会作为翻译，有一些信息上的补充，希望大家度过一个愉快而充实的晚上。

玛蒂娜·穆赫：我很高兴和感动今天晚上跟这么多观众见面，也很荣幸今天有机会给大家介绍这51幅作品。这51幅作品是我们藏品中很小的一个部分。我也感谢馆长林丁先生让这个展览在成都落地。我作为这个展览的成都方面的执行人，我也感到很愉快。

我们这次展品最早的一幅作品是1805年开始，基本上覆盖了法国180年的艺术发展史。我先对我们这个城市和博物馆做个小的介绍，圣埃蒂安这个城市跟成都这个大城市不一样，它是一个小城市，博物馆是在1987年才建成开放的。这张图片是我们博物馆成立的时候，当时时任总统来参加开幕式，我们也感到非常的感动。这个PPT可以看到，这个展览是法国圣埃蒂安大都会现当代艺术博物馆30周年庆的活动之一，刚才列出来的几个艺术家在成都的展览，成都这个展览是30周年庆活动很重要的一站，我也非常感谢，因为这个展览，我们也变成一个很国际化的博物馆。展览里面的藏品大家可以看到，有现当代艺术作品，也有古代艺术品，包括绘画、摄影、装置，这是一个人物肖像的艺术展，这是绘画和装置结合的艺术展，这个大家可以看到是一个关于以风景为主题的展览，作品时间从18世纪到20世纪都有，有作品，有装置，也有物品。我们也有主题展览，这个展览就是“空间的魅力”主题展览，这是09年的展览。

接下来我们聊一聊现代之路——法国圣埃蒂安大都会现当代艺术博物馆艺术展，为什么叫现代之路呢？都是从时间发展过来的，绘画时间发展也有很多流派，也有很多其他艺术家。我必须承认法国的绘画，尤其是在法国，我们还是有很多以主题为主，尤其是风景人物、历史题材、肖像、宗教题材、自然题材等，到19世纪末的时候，我们看到很多绘画题材都已经消失了，现在绘画题材上，我们又有一些回归，所以我们可以看到，这个展览在成都是以时间发展顺序为主题来做的，对于我们来讲，包括我们对艺术的研究中，很多时候是通过分主题来进行的。要理解莫奈的作品，实际上在莫奈之前，莫奈本来就是一个变革，在之后又有一个中断，后来又回归到风景这个题材上。大家看到这幅作品是乔治·米歇尔，在我们展厅的第一幅作品，她是一位非常重要的艺术家，她是到了意大利以后，我不知道大家熟不熟悉荷兰风景画派，她在意大利看到了一些荷兰风景画派的画，这幅画我们能够看得出来，风车是罗马特高地上的一个风车，它不是虚幻的想象出来的风景，这是一个真实的风景。我刚才说的乔治·米歇尔，这是她另外一幅作品，也是巴黎的作品，是一幅风车，它受到17世纪一个荷兰画家的影响，画面很相似。这个是我们说的这个艺术家的另外一幅作品，这个作品的名字叫做一束阳光的意思，这个作品我们现在在卢浮宫可以看得到。我们通过这两幅画的对比，可以看到乔治·米歇尔受到这个画家很多的影响。大家看到的这个是草地上的绵羊，也是这次展览中的作品。它的作者Charles emile JACQUE是巴比松派的画家，巴比松是个地方，在这里聚集的艺术家形成一个风格，就叫做巴比松画派。在当时的社会情况下，画面上画的是绵羊和放牧人，当时的情况下让世人很惊讶的，因为画的并不是很搞鬼的形象，也不是来自于希腊神话或者传说中的人物形象，人们对这个题材很热情，因为画的内容是真实的形象，影响很大。这种画的主题当时在艺术家之间引起了非常大的争论，这些艺术家真的是亲身到森林里面去，他们甚至迷失在森林里面，但是很重要的，他们还没有直接拿着他们的调色板直接在现场作画。还有两位很重要的艺术家，虽然不在这次的展览中，但是要给大家介绍一下，一位是荷兰的艺术家，另外两位是德国艺术家。

首先我们来看这个英国艺术家John Constable的作品，他是非常有名的英国艺术家。绘画作为一门科学，应该持续的去研究自然的规律，为什么我们不能把风景画作为自然哲学的一个分支来看呢？关于哲学的分析跟我们作风景画的道理是一样的。另外给大家介绍的也是一位英国艺术家，他叫做，画作的标题是在枫丹白露的森林中，我们看到这幅画的主题是纯粹的风景，是岩石后面的一棵树，没有任何的人物。这个画把纯粹的风景当做这个画的主题。我们可以看到同时代的还有一位艺术家，叫做Achille Etna Michallon，我们看到他不属于巴比松画派，大家可以看到这次展览的作品，包括乔治·米歇尔的作品都受到他的影响，他的作品还有一些取材自神话中的元素。大家看到这幅作品是Gustave COURBET的作品，库尔贝是艺术史上非常重要的一位人物，我们叫转折性的人物，是现实主义之父，从他开始进入了现实主义。这是库尔贝年轻时候的作品，还在转折期。我补充一点，在现实主义之前，欧洲绘画传统取材于宗教或者神话，主题很少涉及到风景画，或者以现实生活作为单独的主题。这幅画我们看到中间的部分还保留了一些神话传说的主题，画中看到裸体的人也是来自于神话，但是很快就转向了现实主义风格。这也是库尔贝的一幅作品，比较后来的，完全没有神话传说的影子了，这个树很大了，刚才看到的那个树已经很大了，已经不再有神话传说了，这个是后来的一幅作品。我要给大家介绍的这个艺术家叫做哈维尔，就不在这里问大家知不知道哈维尔了，因为在法国知道他的人都不多，但是他是一位非常有意思的艺术家，他在那儿定居下来。为什么有意思呢？他对着风景画画，记录光线和色彩之间的关系。我们现在可以看到他的作品，有人知道巴比松画派的柯罗吗，哈维尔跟柯罗走得很近，我们去判断他作品的时间，完全是靠他处理作品绘画的方式和风格，而且他的作品经常是以一个系列的方式来出现的。而且他的作品有的时候经常是两面画的，所以我们展陈的时候采取很特别的方式就是有个玻璃柜，两面都可以看到他的作品。

现在到了莫奈了，我不太想讲莫奈，因为大家都很熟悉。如果大家都很熟悉的话，我们都可以不讲了。有没有人去过莫奈花园？在巴黎的西北边一个叫吉维尼的地方，莫奈修了一个花园，挖了很多水池，水池里面种了很多睡莲，所以这样子很方便他对景写生。在1907到1908年之间，他画了四幅这种圆形的睡莲，这次上展的就是这个圆形睡莲中的一幅，从圆形睡莲中我们可以看到他对东方艺术的喜爱和受到东方艺术的影响。我经常发现很多东方国家的观众都比较喜欢莫奈，可能因为莫奈受到过东方绘画的影响，对东方观众来说比较熟悉，哪些影响呢？就是没有焦点透视的，大家懂焦点透视的意思吗？就是所有视线消失在一个点上，这个透视更多是水平的，是水平看过去的，而东方圆形的绘画和构图方式，让人感觉到空间很开阔，因为焦点透视直接集中在一点，强调的是纵深，而这种绘画强调的是开阔的感觉，更多运用平面的处理方式，这样去掉焦点的同时，同时运用平面透视的方式，也会影响到后来一位很有名的艺术家叫做波洛克。我要告诉大家的是，圣埃蒂安的人们不太高兴，因为莫奈是他们的镇馆之宝，但是它要全世界巡展。今年是圣埃蒂安建馆30周年，他们也看不到，他们要到明年才见得到。

这一幅也是这次的上展作品，Albert DUBOIS-PILLET，他是新印象主义的艺术家，他原来的职业是个警察。学过艺术历史的都了解，新印象主义的原理，可以分成很多小的色块点来形成，所以艺术家根据这个理论，重新尝试了一下这个理论。这幅画上面应该是画了一个洗涤船这样一个物件，当时这样的船是用于夫人洗衣服的时候，可以把他们的衣服放在上面，有点像中国洗衣服可以敲打，可以洗得更干净这样一种差不多的形式和地方，这个村庄应该是在巴黎附近。

这幅作品是Henri Matisse的作品，他最大的特色是色彩很鲜艳，很丰富，这个时候的马蒂斯还是比较年轻的时候，还没有开始进入到很狂野的用色中，这幅画是他27岁时在布列塔尼画的，我们看到他还没有开始非常鲜艳的用色，但是笔触非常厚的感觉已经开始出现了。大家可以看到这幅作品，在马蒂斯的同时还有一些艺术家，他们使用了另外一种绘画方式和风格，我要讲的就是象征主义，这幅画不是这次上展作品，但也是一幅象征主义作品，画面感觉非常忧郁，它实际上用一些象征的符号来表达情感。

下面我们介绍的艺术家是塞翁，大家看过展览吗，这几幅都是我们的上展作品，他也是在布列塔尼作画，塞翁是很典型的象征主义作家，东西很干净，其实它每一个构成元素都是有象征意义的。这个因为是要给大家介绍一下艺术到底是怎么发展过来的，我们现在聊到康定斯基，康定斯基早期的作品，我们刚才讲到印象派，印象派表达的是，最开始的时候我们艺术家是很努力的表达客观对象，到了印象派，就开始表达我们的主观感受，去表达我们通过主观看到的自然对象，我们可以看到康定斯基的发展过程，受到印象派的影响，后来完全的转向了抽象主义。这是康定斯基画的关于铁路的一个画作，我们在讲美术的现代化之路，他画的是一个铁路，铁路也代表现代之路，铁路是欧洲现代画很重要的一个元素。

从康定斯基往后走，我们可以看到后来有立体主义的佳作，这个是我们的上展作品，未来主义，未来主义产生在意大利列派，他们主要为了表现当时的速度感，昨天讲话中大量的谈到了分享，和相互交流的影响，这幅作品就是非常典型的交流、影响和分享的结果，这个是一位俄罗斯艺术家Alexandra EXTER，他受到了意大利和法国绘画的影响，他虽然画的是房子，但是这个画面给人很强张力的感觉，很像塞萨尔绘画的风格。

现在就聊到意大利这样一个画家叫做？？，他出生在佛罗伦萨，他的画作大家可以看一下，对于色彩的处理是非常有特色的，他在画的上面，所有不同色彩的中心都会有非常明确的界限，所有的色彩都会在框框里面，在框之外就是不同的色彩。

我们刚才说了很多风景画，现代也来说一说人物画。这幅画的成画时间是1900年，这个艺术家叫Charles MAURIN，我们看到是一幅非常精致、非常传统的一幅优化，主题也是一位面容很精致的女孩子。

这次展览作品中，还有一位也是用传统手法作画的，就是Gabriel TYR，这也是一幅上展作品，她画的是女性肖像，手上纳的是很经典的传统乐器，和1900年相比，这幅画的主题就把我们带入到了希腊时代的感觉。画面色彩处理很柔和，我们可以看到是有一些色彩对比比较强烈，整体风格还是处理得很柔和的。这幅画作上结合了三种艺术风格，希腊艺术、拜占廷艺术和哥特艺术，哥特艺术基本上代表的是德国。

我们回到塞翁，刚才说到塞翁的风景画，这幅是塞翁的人物肖像画。这个画的主题是关于希腊传说鄂尔普拉琴，他除了是很好的画家以外，他也是很好的传说画家，这是没有来上展的两幅作品，绘画风格用了一些传统绘画的风格，画得很精致、很美，这是美人鱼的传说，主题都是跟神话传说有关系的。这个传说就是说美人鱼用手中的乐器演奏出一些音乐，会让远方的渔船因为受到这个音乐的迷惑，然后就会撞上礁石。我们很幸运的是，我们有一位叫做马修拉的先生，他把所有关于塞翁的藏品以比较便宜的价格卖给了我们，相当于捐赠，我们看到塞翁的一些素描，素描非常美，还有他画的水边的女孩，虽然这个跟中国的书画是一回事，但是看到用笔、笔触，对线条的控制也是很好的。尤其是这批素描，很多作品来的时候都变成一小块一小块的，也是因为我们的修复师和文保人员进行大量的修复和保护工作以后，才能呈现出这样的作品效果。我理解当时在绘画的时候，有一些作品的人物，他们是有实际人物，有一些肖像画，但是没有明确的肖像主人是谁，这一幅应该就是有明确的肖像是属于哪个人的一幅画。所以这幅画确实是一位真实存在的一位夫人的肖像画。我们去现场的话，能够看到点彩派的画法，就是一个小点一个小点的摆开，在你的眼中进行调和，相当于你的眼睛是一个调色板，但是这些点也形成了一个图案的效果。在这位艺术家的画作中，他想表现的是他绘画的技巧，而不是展现这个人物。通过之后的画作，我们可以看到这个技巧的发展。

下面这位艺术家叫Frantisek Kupka，是在奥地利和匈牙利生活，最后他是在巴黎去世的。大家看到这幅画，这个人整个轮廓都是不清楚的，有一个蓝色丝带，下面有绿色的阴影，面容又是紫色的。我们看到画面剩下的这些部分，都只是一些色块，不再有聚向的一些东西。所有的女士肖像画，头部是黑色的，有一个蓝色丝带，阴影处有绿色，剩下部分全是大的色块，没有聚向的东西，这幅画就马上会向抽象主义去转型了。Kupka这一位画家也是很优秀的音乐家，在之后的创作生涯中，他一直都是想把绘画和音乐结合起来，大家知道音乐也是一种非常抽象的艺术，Kupka这位艺术家也是想把音乐艺术带到绘画中来。在19世纪末和20世纪初的时候，我们看到艺术家的群体，他们想表达一种乌托邦式的理想，这个在音乐领域里面，大家知道瓦格纳的音乐剧里表达得特别明显。

又是回到Alberto MAGNELLI，他是比较重要的艺术家，有好几幅作品，我是想把他的作品做一个分割，我是按照时间顺序来处理作品的。这个也是一个人物肖像，这也是一个人物肖像，可以看到这一幅作品是13到14年，正好是一战的时候，他的性格比较冷静、内敛，他的作品一向比较冷静和内敛的，这幅作品我们就看到抒情爆炸，作品中的情绪很饱满，充满了释放性的东西，充满了喜悦性的东西，他画的是行动中的女人，下面是两条腿在走路的感觉，动感很强。我们对人物肖像的处理绘画风格绘画方式也是在变化的，这个可以看到1927年阿根廷的艺术家，叫做红色底上的三个女人，把这三个女人处理得像积木对象一样，处理得像机械一样的感觉，像三堆机器。所以我们会提出这个问题，为什么把这三个女人形象画得像三个机器人一样。这幅作品我本来是挺想拿过来展出的时候，但是时间太紧张了没有成行。因为这个作品很有代表性，因为科技进步，正进入工业时代，到处都充满进入工业时代的喜悦，对工业时代的喜悦更多表现在摄影艺术上，很多摄影艺术家作品主题都是钢铁、工业社会为主题。这几幅作品都是广告海报，在30年代的时候，绘画逐渐让位于摄影。这个是52年的作品，和刚才红色底上的三个女人，我自己觉得这个都是在绘画史上很有名的作品，都是属于圣埃蒂安博物馆的藏品，这个时候已经二战结束了，人们不再受饥饿困扰，人们喜悦，欣欣向荣的感觉，在海边度假，有这个能力去买汽车了。构图和主题都很像印象派的绘画，对这个主题的处理方式就是属于人类自己的处理方式，有点像拼图的处理方式。

我们刚才看了人物，现在我们说一下静物。静物这一类画作，我理解它是有一种冥想在里面，艺术家创作这些作品的时候，将冥想这一概念纳入到画作中，而且它表述的可能是一种未来的一个世界，因为我们人都必有一死，但是静物这样一些画作应该和冥想是分不开的，而且是跨越时间的一种创作。

在战争结束之后，当时圣埃蒂安市就选举出来了两位市长，当时市长先生就直接写信给了毕加索，在信中是这样跟毕加索说的，您是抵抗运动的一个代表人物，当时在纳粹的环境状况下，毕加索相当于是抵抗艺术家的代表艺术家之一，我们圣埃蒂安市在二战中也是非常有勇气，对纳粹的进攻进行了非常多抵抗的一个城市，请问可不可以赠送给我们圣埃蒂安市一幅您的画作，随后毕加索就将这幅画作赠送给了圣埃蒂安市。很有意思的是，当时这幅画是通过邮寄的方式寄到圣埃蒂安市，当时都没有恒温恒湿的卡车来邮寄画作，都是很普通的邮寄。（现在画作运输都是通过恒温恒湿车运输）。这个作品是一种比较温和的立体主义，并不像最初的立体主义风格那么强烈，因为是在战争时候创作的，所以这种立体主义可能对当时本来战争时压力很大，对抗性很强的环境，这个作品当中我们看到有个橙子，橙子在20世纪初法国就没有橙子这个东西，是很稀有的一个东西，20世纪初的时候经常给小孩子的圣诞礼物是一个橙子，所以他画的是一个橙子，画中的物品其实都有象征意义的。

这个作品是Amedee OZENFANT的作品，我们可以明显看到这幅作品受到了立体主义和纯粹主义的影响。什么叫纯粹主义呢？绘画中会经过很多分析，表现出很宁静、很神圣的这种感觉。

Louis MARCOUSSIS也是跟毕加索和马莲里一样，他是一个波兰艺术家，他的画作明显受到立体主义影响，我们看到画面构成中有一个鱼，还有钥匙形状的东西，还有一个刀，刀在右下侧起了平衡画作的作用。刀是很日常的东西，用刀的形象来作为画面下侧平衡的东西，我们看到多年以后这种风格又出现在马库西斯的作品当中。这个PPT表现的是摄影艺术对绘画艺术的影响，这个也是关于葡萄的广告，刚才我们看到关于汽车的广告在画作中有体现，这个是葡萄的广告，这个画是摄影艺术表现出来的这种形象，直接用在了绘画中。

Joaquin TORRES-GARCIA是乌拉圭的艺术家，我们看到他来自南美。他去过西班牙，见过毕加索，也受到毕加索的影响。这个画的名字叫做五分组图，这个名字怎么理解呢？把他很多看到的东西抽象成符号，里面所有的这些元素，每一个元素实际上都是一个符号，每个符号都有它的象征意义。知道一点艺术史的朋友，都应该知道高迪，这个艺术家跟高迪一起工作过。加西亚跟很多伟大艺术家们都一起工作过，所以在一战和二战之间，他既有抽象主义的风格，也有聚向主义的风格。

这个艺术家的名字叫做Andre MASSON，他是超现实主义的艺术家，超现实主义很多艺术家各自有各自的表达方式，在表现上没有统一的艺术风格，但是有一个统一的特点，作品跟梦境有关，跟潜意识、心理分析有关，马颂的作品受到东方艺术的影响，笔触非常自由。（这幅作品从我个人来讲，我们有朋友看过敦煌大展没有？像不像敦煌飞天的飘带？所以当我们去理解这幅作品，很多人问我画的什么的时候，它的作品叫古驼路，他画的时候根本没有想好名字。敦煌的飘带美不美，为什么飞天看得懂，这个你就看不懂呢？就想成飞天一样，有同样的动感和色彩在里面）。确实马颂本身受到很多印度石窟的影响。（所以刚才的解读是正确的）。

这个VIctor BRAUNER，我们对他非常熟悉，因为我们馆有3600幅他的素描作品，27幅他的作品，如果有兴趣的话可以借给你们做展。他是罗马尼亚的艺术家，后来到了法国，他是一个犹太教的家庭，所以他对于所有的神话和传说题材都非常感兴趣。大家可以看到画面中间有一个像水晶一样的东西象征的是水晶球，上面有个动物，还有个人物。很多画作主题都是跟动物和人物有关系，这个美女姿色也很特别，情色也是很多画作主题之一。我们看到右边这个女性是一个有点像鸟的人头，下面这个腿结合的动物是一个狐狸或者狼，圆锥也是情色的象征。左边这个部分很有埃及的影响，二战的时候，维克多作为犹太人，是没有去到美国避难，他为了躲避战乱到了马赛，去看了马赛博物馆，马赛博物馆里面有一批关于埃及的藏品，所以埃及藏品当时对他的影响很大。我们从他30年代的作品开始，看这幅画中眼睛的处理方式，是眼睛被挖出来的形象。好像说是他做了一个梦，梦见他朋友的眼睛被挖掉了有关系，这个眼睛处理方式跟文学艺术和雕塑艺术中的贾克梅地艺术很像。1950年代的时候，是维克多比较焦虑，比较焦躁的一段时间，所以我们看到他的绘画上，有一种先收得很紧，忽然爆发出来那种感觉一样，主画面就是通过压缩，一下爆发出来的感觉，旁边是他想象出来的四个人物，仔细看都跟性感有关系，另一方面，又很像机器人的感觉。

伊夫唐吉也是超现实主义非常有名的一位艺术家，大家知道超现实主义，我们知道的更多是萨尔瓦多达，实际上超现实主义不仅有达依，还有唐吉，我们看到用色是非常细腻的，创造的环境完全是想象中的环境，这两个形体和物体很有机械感，很像两个机器人。

凯撒多美拉的作品，我们现在讲到抽象主义，看到的都是一些色块。

Auguste HERBIN的作品，星期四。（对于外国人来讲，对于星期完全不懂，星期四就应该是这个样子，星期三、星期五、星期六有不同的写法。就像小朋友不会写字，说星期四就画出来星期四是这个感觉。画家的感觉星期四是这样的，所以画了一个星期四。）

尤其是在二战的时候，很多艺术家是找不到颜料，物资很短缺，所以很多艺术家开始寻找新的绘画材料，这个画是画在麻布口袋上，大家如果仔细看的话，下面还有一层是刷的黑的东西，在那个时候，Alberto MAGNELLI经常去焦虑采石场去逛，石头的力量感给他印象深刻，所以他经常去表现很有力量的、很有厚度的东西。

Jean DUBUFFET是一个非常讨厌博物馆、说了很多博物馆和策展人坏话的人，所以他现在的作品都在博物馆里管着。杜布菲是很讨厌官方艺术的人，他很喜欢涂鸦、街头艺术这种东西。我也有发现他的一幅作品，在当时60年代时候，他有拿红蓝圆珠笔在纸上插画，就好像这样一种方式也能达到一种艺术表达的语言。虽说看起来是无心之作，好像是随意的涂鸦，但事实上杜布菲自己是很清楚的，在哪个部分要用哪个颜色，在哪个部分要用哪个形状。这一幅画相当于好像你在飞机上看到城市的面貌，这就是杜布菲他表现城市面貌的一个视角，保罗萨特说过，参观一个城市你要步行参观一个城市，到纽约参观的时候你要坐汽车，杜布菲的视角就是在在飞机上以空中的视角来参观城市。这幅画中国人应该是很能理解，是随意的一个姿势，色彩随意放置，这个很符合中国绘画的传统。（馆长说的这个，我给大家解释一下，我们都知道中国的书法，知道草书吗，草书你看得懂吗？这个你看得懂吗？这个笔画用笔像不像草书？）

现在讲到Pierre SOULAGES，苏拉热被人们视为光明的绘画师。苏拉热是一位从始至终都是用黑色作画的艺术家。他的画作中，实际上光线是画作中非常重要的一个主题，多少观众在展厅里看了原作？看了原作的观众可以看到，你这样平面看就是一片黑色，但是展厅里看就像一个机理。艺术家自己觉得通过这种方式，能够凝固时间，可以表示一种时间的维度。苏拉热本人是大都会博物馆很好的朋友，也是一个很有文化、很有品位的一个艺术家，他的作品2000年以前就在中国展出了。（我补充一点，他在欧洲非常有名，是法国身价最高的一位艺术家。刚才这幅画可以从中国画的角度去理解，你感觉它是一片黑色，但是它是黑色让白色的对比，让画面精彩起来。你在移动中，它对光线的反射是不一样的，你想在二维的凝固的画面里面表现动态的东西，这个就是馆长说的跟时间的关系。）

我给大家一个建议，大家可以找机会去看一下，走动起来，才能感受到为什么通过画作来表现出时间。谢谢大家。

主持人：感谢大家对讲座的关注。现在已经过了我们的闭馆时间了，所以我们讲座就到此结束，谢谢大家。